Jean-Claude Claeys es un autor e ilustrador nacido el 16 de Octubre de 1951 en París. Se sabe poco de este hombre que sigue siendo relativamente discreto sobre su persona mientras nos va dejando un increíble legado a golpe de lápiz en numerosas publicaciones, portadas, comics e incluso como creador del cartel francés de la película Cotton Club de Francis Ford Coppola en 1984. Claeys hace su debur en la revista Mormoil en 1974, un tanto desfasado con el tono humorístico de la revista. En 1977 sale su primer álbum, Whisky´s Dream, donde aparece por primera vez el detective privado Jonathan Foolishburry y una determinada fascinación para el universo de las novelas negras americanas. Tras ello prosigue su carrera en el tebeo, universo donde puede gozar de la libertad de crear y se asocia a partir de 1988 con el escenarista Richard D. Nolane. Violencia, erotismo tórrido y atmósfera negra caracterizan la obra de Juan-Claude Claeys, reproduciendo en tinta China las fotografías que realiza antes de la ejecución, firma imágenes hiperrealistas en blancos y negros que concuerdan perfectamente con el cine negro de la posguerra. Finura del dibujo, sentido de la puesta en escena… Claeys se expresa verdaderamente a través de estética de la restitución fotográfica. En él, la belleza tiene parte vinculada a la muerte. Las mujeres son siempre bonitas, que se las asesina o que matan. No hay nada digital en su obra, generalmente en blanco y negro aunque últimamente introduce el color. Su obra es un trabajar y trabajar constante en su universo sin tabletas gráficas ni accesorios externos que limiten su creatividad.

Además de dibujante de cómics o historietas, Jean-Claude Claeys realiza numerosas cubiertas para distintos editores. En Néo dibuja las cubiertas de la obra de la colección policiaca “Le Miroir obscur” (154 títulos de 1979 à 1989) confiriéndole una fuerte identidad visual. Con las cubiertas de Hitchkcock Magazine, sobre todo después de ser controlada por la colección « Le Livre de Poche » “Los libros de bolsillo”, Juan-Claude Claeys se diversifica hacia el color. La reserva a los decorados, accesorios, prendas de vestir, no alcanza los cuerpos, y deja caras y carnes en el contraste gris de esta tinta de China que modela los seres de la arcilla negra. Su web no tiene desperdicio, es una fuente casi inagotable de ilustraciones y buen hacer, un descubrimiento increíble para todos, pero en especial aquellos que adoramos el cómic y las historias de novela negra. (Más info en Wikipedia).

Jean-Claude Claeys was born in Paris. After some advertising work, he focused on making comics in 1975. He made his comics debut with ‘Jonathan Foolishbury’, a series about a curious private investigator published in Mormoil magazine. In 1977, he followed up the film noir theme in ‘Whisky Dreams’ (Ed. du Cygne), and later, in ‘Magnum Song’ (À Suirvre, 197 and the ‘Lüger et Paix’ series (in Métal Hurlant, 1986). Claeys made ‘Paris Fripon’ for the Editions du Fromage in 1981, which was followed by two portfolios. Claeys draws his influences from American cinema of the forties and fifties. He uses a hyper-realistic style in black and white, reworking from photographs, which gives his oeuvre a dark mood. Claeys also works as a cover artist for the crime collection of the Néo publishing house, as well as Hitchcock Magazine.

In addition to sketcher of cómics or comic strips, Jean-Claude Claeys makes numerous covers for different publishers. In Néo draws the covers of the work of the police collection “Le Miroir obscur” (154 titles of 1979 à 1989) conferring a strong visual identity to him. With the covers of Hitchkcock Magazine, mainly after being controlled by the collection « Le Livre de Poche » (the paperback books), Juan-Claude Claeys is diversified towards the color. The reserve to the scenery, accessories, articles to dress, does not reach the bodies, and leaves to faces and meats in the gray resistance of this red of China that models the beings of the black clay. His Web it does not have waste, it is an almost inexhaustible source of illustrations and good to do, an incredible discovery for all, but in special those that we adored cómic and black novel histories. (More info Wikipedia)

Gernot (1969) es un pintor, ilustrador freelance, escultor y diseñador que vive y trabaja en Bavaria, Alemania. Después de haber creado y exhibido maquinas aterradoras e imágenes de criaturas monstruosas en pintura al óleo durante principio de los 90, decidió concentrar más sus preferencias por las inusuales y extrañas figuras femeninas. Fetichismo, latex, uniformes y voluptuosas figuras pasan a formar parte de su mundo bizarro, lo que le llevará a participar en revistas fetichistas y a formar parte de las publicaciones en el mundo del cuero.

Gernot (1969) is a painter, freelance illustrator, sculptor and designer who lives and works in Bavaria, Germany. Having created and exhibited machines and terrifying images of monstrous creatures in oil painting during the early 90, decided to concentrate their preference for the more unusual and strange female figures. Fetishism, latex, uniforms and voluptuosas figures become part of his bizarre world, which takes you to participate in fetish magazines already part of the publications in the world of leather.

Chris Anthony es un artista de 38 años nacido en Estocolmo, Suecia, conocido por sus macabras y de inspiración góticas fotografías. Anthony ha dirigido también anuncios para compañías como Deutsche Telecom y videos musicales para grupos como The Dandy Warhols. Anthony se especializa en la fotografía 4X5, usando a menudo lentes antiguas producidas entre 1870 y 1910 para ayudar a crear una “atmósfera de otro mundo”. También usa formatos de 5X7 y de 8X10 conjuntamente con escáneres digitales de modo que el pueda manipular sus imágenes con Photoshop. Por ejemplo, en vez de usar una cámara fotográfica panorámica y una lente ancha para documentar un paisaje arrebatador, Anthony utiliza una cámara fotográfica de película 4 x 5, un explorador y Photoshop para crear imágenes extra anchas de interiores imaginados, en los cuales él pone objetos o partes de los objetos que él ha fotografiado. El resultado, visto en una serie reciente de imágenes que él llama a “Victims & Avengers” es sombrio y hasta macabro. Una mancha indirecta de sangre aparece también siempre aquí y allí en sus fotografías, o pequeños objetos que en la amplia visión de la imagen pasan a ser un punto de referencia en ese oscuro mundo que es la imaginación de Anthony. Actualmente vive en Los Ángeles, California. (Clic en imagen para ampliar)

Chris Anthony is an artist from Stockholm, Sweden, primarily known for his macabre and Gothic-inspired photographs. Anthony has also directed commercials for companies such as Deutsche Telekom and music videos for groups such as The Dandy Warhols. Anthony specializes in 4×5 photography, often using vintage lenses produced between 1870 and 1910 to help create an “otherworldly atmosphere.” . Antony will also use 5×7 and 8×10 formats in conjunction with digital scanners so that he can manipulate his images in Photoshop.  For exemple, instead of using a panoramic camera and wide lens to document a sweeping landscape, Anthony uses a 4 x 5 film camera, a scanner and Photoshop to create super-wide images of imagined interiors, into which he places objects or parts of objects that he has photographed. The result, seen in a recent series of images he calls “Victims & Avengers,” is macabre. A hint of blood always appears in Anthony’s images, and here, the man’s shoes are stained red. There is one more object that Anthony has placed into this scene: a knife that the brunette clutches behind her back. Her confident stare makes you think she’s ready to come at you. But you remember that the space she inhabits is a figment of Anthony’s imagination. So you’re safe, at least for now. Anthony is currently based in Los Angeles, California.

Keith Thompson es un ilustrador y artista conceptual americano del que Jordi ya dio buena cuenta en un par de post en Pasa la Vida pero que no me he resistido a poner también. Trabaja el campo de la fantasía y la ciencia ficción con un estilo surrealista e innovador que le ha llevado a realizar numerosas publicaciones y libros, incluidas colaboraciones en comics books, películas y videojuegos. Incluso ha publicado un DVD donde nos muestra su técnica de ilustración. Personajes siniestros de aspecto victoriano, vehículos de ultratumba o galácticos, armas extrañas y otras utensilios, o una increíble colección de robots y otros monstruos son algunas de las imágenes que nos encontraremos con la peculiar característica de que cada una de ellas cuenta con su propia historia que Keith desarrolla a modo de presentación. La técnica y el resultado final resultan sencillamente fantásticos.

Keith Thompson is an illustrator and American conceptual artist that Jordi already gave good account in a pair of post in “Pasa la vida” but that I have not resisted to also put. He works the field of the fantasy and science fiction with a surrealista and innovating style that has taken to him to make numerous publications and books, including collaborations in comics books, films and videogames. He has even published a DVD where he shows his technique to us of illustration. Sinister personages of Victorian aspect, galactic vehicles of ultratomb or, strange arms and other utensils, or an incredible collection of robots and other monsters are some of the images that we will be with the peculiar characteristic of which each one of them counts on its own history that Keith develops as a presentation. The technique and the final result are simply fantastic.

Es gracias a las visitas a mi amigo Gollus y su estupendo Recogedor, que descubro a esta artista de 25 años nacida en Roma y que se llama Zoe Lacchei. Ilustradora, dibujante, pintora, directora artística y que también se mueve en diseños para vídeo-juegos y otros productos, es una de las más populares artistas figurativas italianas, que trabaja tanto la técnica tradicional como el diseño por ordenador. Ecléctica, visionaria y apasionada, Zoe Lacchei ha publicado varias obras y realizado diversas exposiciones de pintura. En abril del 2004 sería la encargada de dibujar trece ilustraciones para el disco de oro de Marilyn Manson recogidas en su portfolio “ Metamorphosis, the art of Zoe Lacchei” que se puede ver en su web. En el 2007 vuelve a realizar una ilustración para Manson en su álbum “Eat Me, Drink Me”. Pero nos vamos a quedar con su “Proyecto Geisha” donde Zoe nos ofrece una visión propia a través de unas magníficas ilustraciones que también podemos ver en su página de deviantArt.

La intención del “Proyecto Geisha” es la de revelar la oculta Geisha del mundo y fundirlos con los recurrentes temas del imaginario japonés. La cultura del pueblo del sol naciente sigue anclada en un sólido pasado de tradiciones codificadas durante cientos de años que no da el paso al frenético y tecnológico presente. Ser una Geisha, viviendo en una eterna sombra y en un mundo riguroso, sin cambios y de inmortales gestos, el voto a una existencia al arte provocando un intenso deseo de atracción, que produce el instinto para mostrar a algunos de modo impalpable criaturas en contacto con la oscuridad que quiere corromperlas.

Zoe Lacchei was born in Italy. She is one of the most popular Italian figurative artists, working from traditional technique to modern computer graphic: Illustrator, cartoonist, painter, art director and character designer for video-games and multi-medial products designer. Zoe Lacchei’s artistic talent has taken her on extraordinary goals. Her symbolic figurative art melts many different subjects into something extraordinary new: people turns to angels and demons, animals becomes mystical creatures and landscapes are transformed into post - apocalyptic domains. Eclectic, Visionary, passionate, Zoe Lacchei has published several works and performed many painting exhibits. In April 2004 she has painted thirteen illustrations for Marilyn Manson’s golden disc, collected in the portfolio “ Metamorphosis, the art of Zoe Lacchei”. In 2007 Zoe Lacchei has realized a new illustration for Marilyn Manson last album “Eat Me, Drink Me”.

The intent of the “Geisha Project” is to reveal the hidden Geisha’s world and to melt it with the recurring themes of Japanese imaginary. The culture of the rising sun people remains anchored to a strong past made of traditions codified in hundredses of years, which do not give the step to a frenetic and technological present. Be a Geisha, living in an eternal shade and rigour world, made of unchanged and immortal gestures, to vote its existence to the art provokes an intense attraction wish, it produces the instinct to show some so impalpable creatures in contact with the darkness which wants to corrupt them.

Irakly Shanidze nació en la ex República Soviética de Georgia en 1968. La fotografía se convirtió en su pasión cuando tenía doce años, y se ha mantenido de esta manera a lo largo de su vida. Al principio sus intereses artísticos se reducían a obras de Arte de desnudos y glamour psicodélico. Después de terminar la escuela secundaria, comenzó a moverse en esa dirección. Eran los años del famoso declaraciones tales como “El pueblo soviético no tiene sexualidad”. Lo que Irakly y sus amigos estaban haciendo no era precisamente popular entre las autoridades soviéticas, por lo que trató de mantener su labor secreta. Lamentablemente, él era demasiado joven para saber que, en su país, todos los secretos se revela tarde o temprano. En 1985, el amigo y compañero fotógrafo más cercano de Irakly fue buscado y condenado a la cárcel durante cinco años por tomar fotografías de desnudos en su estudio. Es una lección suficiente, y el artista dejó de esforzarse en su durante muchos años hasta que fue capaz de salir del país para siempre. Durante ese tiempo Irakly comenzó a trabajar como fotógrafo para un periódico regional militar (durante el servicio militar), y para el periódico de la Universidad Estatal de Moscú (mientras realizaba un Master en Bioquímica). Irakly vino a los Estados Unidos en 1993 como un estudiante graduado. Al principio, tenía poco tiempo para la fotografía. Eventualmente, sin embargo, reanudó sus actividades de fotografía y poco a poco esta empezó a consumir la mayor parte de su tiempo libre de nuevo. Ahora Irakly trabaja sobre todo en el estudio de su casa, alegando que esta demasiado estropeado para resistir las condiciones del trabajo al aire libre. Con los años, Irakly, nunca tomando su obra artística demasiado en serio, simplemente ha ido con la corriente. Al ir con la corriente, sin embargo, ha logrado dejar un rastro artístico notable.

Irakly Shanidze was born in the former Soviet Republic of Georgia in 1968. Photography became his Passion when he was twelve years old, and it has remained that way throughout his life. Early on, the artist’s photographic interests quickly narrowed to fine art nudes and psychedelic glamour. After finishing high school, he began moving in this direction. During the years of famous statements such as “Soviet people have no sexuality”, what Irakly and his friends Were doing was not exactly popular with the Soviet authorities, and so they tried to keep their work Secret. Unfortunately, he was too young to know that, in his country, every secret is revealed sooner or later. In 1985, Irakly’s closest friend and fellow photographer got busted and was sentenced to jail for five years for taking nude pictures in his studio. It was quite a lesson, and the artist stopped his fine art endeavors for many years until he was able to leave the country for good. In the meantime, Irakly began working as a photojournalist for a regional military newspaper (while on military duty), and for the newspaper of Moscow State University (while working towards a Masters degree in Biochemistry). Irakly came to the United States in 1993 as a graduate student. At first, he had little time for photography. Eventually, however, he resumed his photo activities, and gradually photography began to consume most of his free time again. Now Irakly shoots mostly in his home studio, claiming he is too spoiled to withstand the rough conditions of the great outdoors. Over the years, Irakly, never taking his artistic work too seriously, has simply gone with the flow. By going with the flow, however, he has managed to leave a notable artistic trail.

Richard Kadrey es un novelista, escritor freelance y fotógrafo de Los Angeles. Su primera novela Metrophage, fue publicada en tapa dura en 1988 y le convierte en uno de los autores seminales del movimiento cyberpunk. Esta novela está bajo licencia creative commons y se puede leer y descargar aquí en inglés, al igual que Butcher Bird (2007) también disponible en versión libre aquí. No son los únicos, también podemos encontrar diversos ensayos y relatos cortos como “Carbon Copy: Meet ‘The First Human Clone’” que es llevada al cine como After Amy. Kadrey ha sido además editor de diferentes revistas y ha publicado artículos de arte, cultura y tecnología en diversas publicaciones. Cuando no hace de novelista o de galardonado escritor de cuentos, Richar Kadrey explora el mundo como Kaos Beauty Klinik componiendo obras dramáticas, principalmente imágenes fetichistas creadas a través de la fotografía digital y utilizando una técnica que ha denominado como “Dark Light” que consiste en una variación del viejo proceso fotográfico de “pintar con luz”, o sea, realizando largas exposiciones casi en total oscuridad con el objeto iluminado con una sola fuente de luz. Kadrey utiliza una variedad de luces para generar diferentes efectos. Su obra explora las zonas oscuras del deseo y la obsesión. Sus principales influencias son fotógrafos contemporáneos, como Joel Peter Witkin y Chas Ray Krider, y los pintores surrealistas, en particular, Max Ernst y Paul Delvaux.
Richard Kadrey nos deja, aparte de su web, tres blogs para nuestro uso y disfrute, sobre todo Kaos Beauty Klinik highlights (no os lo perdais), Dispatches from Probability Beach, un video blog, y The Coma Archives: Richard Kadrey Fiction Links, donde encontraremos sus textos y enlaces a sus relatos y novelas entre otras cosas, eso si, en inglés.

Richard Kadrey is a novelist, freelance writer and photographer from Los Angeles. Metrophage His first novel, was published in hardcover in 1988 and makes it one of the authors of the seminal cyberpunk movement. When he’s not writing, novelist and award-winning short story writer, Richard Kadrey, explores wordless art as Kaos Beauty Klinik. Kadrey’s graphic art consists of dramatic, primarily fetishistic imagery created through digital photography using a technique he’s dubbed “Dark Light.” This shooting style is a unique and personal variation on the old photographic process of “painting with light,” meaning shooting long exposures in near total darkness with the subject illuminated by a single hand-held light source. Kadrey uses a variety of lights to generate different effects, everything from expensive LED spots to cheap plastic hardware store flashlights. His work explores dark areas of desire and obsession. His main influences are contemporary photographers such as Joel Peter Witkin and Chas Ray Krider, and the Surrealist painters, particularly Max Ernst and Paul Delvaux.

Kent William es un pintor, ilustrador y diseñador gráfico y dibujante de novelas gráficas americano. Es principalmente un pintor figurativo, aunque también ha destacado en trabajos como ilustrador por el que ha recibido numerosos premios. Recientemente ha completado y editado su novela gráfica más famosa, The Fountain, junto al cineasta Darren Aronofsky y basándose en el argumento de la película. Pero son sus pinturas lo que nos deja la parte más profunda y desgarrada de este artista, unas pinturas intensas y penetrantes con las que parece explorar nuestras virtudes sin rehuir nuestros defectos. Trazos firmes y algo duros que nos dejan una sensación de caos en medio de una belleza bien camuflada y visible. Aunque pueda parecer algo tosco en principio, Williams sabe combinar perfectamente los colores de su paleta y aplicarlos con sus pinceles para conseguir el efecto deseado.

William Kent is a painter, illustrator and graphic designer and illustrator of American graphic novels. It is primarily a figurative painter, but also has excelled in work as an illustrator for which has received numerous awards. It has recently completed and published his most famous graphic novel, The Fountain, next to filmmaker Darren Aronofsky and based on the argument of the film. But his paintings are what we leave the deepest part of this artist and torn, some paintings intense and pervasive that seems to explore our virtues without shirk our defects. Strokes firm and somewhat hard to leave us a sense of chaos amid a beauty well camouflaged and visible. Although it may seem somewhat coarse in principle, Williams knows perfectly combine the colors of his palette and apply them with their brushes to achieve the desired effect.

David Whitlam es un artista surrealista de Manchester, UK, que usa tanto las técnicas tradicionales como las digitales. Su trabajo tiene que ver con la grabación de los deseos y la ansiedad en el subconsciente, utilizando para ello una técnica que el denomina “automatic drawing”. Su obra carece de planificación, el trabaja con la imaginación espontánea, lo que da a cada imagen su propia identidad. Interesado en las imágenes mitológicas, tribales y religiosas, aplica todos estos símbolos universales en medio de situaciones absurdas cuyos significados son a menudo esotéricos y personales, pero que de alguna forma se hacen eco de la estética de culturas antiguas y se refieren a temas de carácter más personal dentro del subconsciente colectivo. Su web nos deja una buena y extensa muestra de sus ilustraciones, nos sumerge en su mundo onírico y tortuoso de colores apagados y escenas surrealistas. (Clic en imagen para ampliar)

David Whitlam nos dice respecto a su técnica: “Trabajo en tres medios (pintura de aceite, photoshop y lápiz). Me gusta utilizar la totalidad de ellas, y cada uno me proporciona sus propios desafíos. Creo que la pintura es probablemente la que más tiempo me consume y de proceso más difícil, aunque los resultados son muy satisfactorios, y mis habilidades se sigue mejorando. Photoshop es mucho más rápido y más fácil de usar, y produce buenos resultados, pero la desventaja para el arte digital es que no existe una imágen “original”. En general, sin embargo, creo que es probablemente el lápiz mi medio favorito. El dibujo es el punto de partida para la mayoría de mis imágenes, y la fuente de mis ideas, es la más mágica y más inmediata parte de mi proceso creativo.” (Entrevista a D. Whitlam)

David Whitlam is a surrealist artist from Manchester, UK, which uses both traditional techniques such as digital. Her work has to do with burning desires and anxiety in the subconscious, using a technique known as the “automatic drawing”. His work lacks planning, working with the spontaneous imagination, which gives each image his own identity. Interested in mythological images, tribal and religious implements all these universal symbols amid absurdities whose meanings are often esoteric and personal, but that somehow echoed the aesthetics of ancient cultures and relate to issues of character more staff within the collective subconscious. Its Web gives us a good sample of his extensive and illustrations, we are immersed in their dream world and tortuous muted colors and surreal scenes.
David Whitlam tells us regarding his technique: “I work in three mediums (oil paint, photoshop and pencil). I enjoy using all of them, and each provides it’s own challenges. I think painting in oils is probably the most time-consuming and difficult process I use, though the results are very satisfying, and my skills are still improving. Photoshop is much quicker and easier to use, and produces good results, but the downside to digital art is that there is no ‘original’ image. Overall though, I think pencil is probably my favourite medium. Drawing is the starting point for most of my images, and the source of my ideas - it’s the most magical and most immediate part of my creative process.”

Darren Holmes nació en la North Bay, Canadá, en 1969 y enseguida desarrolló la pasión por la inmediatez de la expresión que permite la fotografía. Los temas que retrata están a menudo envueltos en la luz y la textura basando su trabajo básicamente en la emoción. La masculinidad y la feminidad, la luz y la oscuridad, lo bello y lo repelente… son estas contradicciones lo que hace su obra de alguna forma más coherente. Darren nos muestra un trabajo bello y a la vez inquietante, los enfoques y el color le dan a sus fotografías un aspecto cercano a la pintura, no obstante e en este ámbito donde comenzó su carrera artística, y es esta quien marca una buena parte de su estilo. Tampoco suele trabajar en estudios con grandes medios de iluminación, prefiere los espacios naturales y los “problemas” que surgen al día a día con esa naturalidad. Un fotógrafo de difícil clasificación pero con un notable talento que nos deja una selección de sentimientos encontrados en sus retratos llenos de de profundos y mágicos misterios.

Alice in Rubberland es el nombre de la web con el se da a conocer Rob, un dibujante nacido en Zurich, Suiza, que ha estudiado Arquitectura y Arte y cuyas pasiones son las mujeres bonitas, el cuero, las botas, el fetichismo, navegar, las motos, la fotografía, el Arte y la música clásica, aparte de su increíble capacidad para el dibujo a lápiz. En Alice in Rubberland encontraremos unos fantásticos dibujos de mujeres insectos y Aliens femeninas todo envuelto en una constante visión erótica y fetichista que las convierte en seres a medio camino entre atractivas y repelentes, aunque este último término no sea tal vez el más adecuado, ya que más que repeler producen una morbosa atracción anómala. Hay una belleza inequívoca en los trazos, y también una gran carga provocadora en las metamorfosis a las que somete a sus modelos. Rob no nos permite ver su increíble galería a tamaño completo si no eres miembro de su club, tras previo pago, sin embargo no deja prever de lo que podemos disfrutar en sus casi 300 thumbnails (imágenes en pequeño) y una cincuentena de imágenes libres a mayor tamaño. Si estás dispuesto a pagar la cuota puedes además disfrutar de otros explícitos dibujos y wallpapers.

Gerhard Katterbauer nace en Linz, Austria en 1954 aunque actualmente vive y trabaja en Viena. Estudia cerámica en la escuela de oficios artísticos de Granz. Mas tarde se traslada a Viena para estudiar arquitectura y escultura en la Academia de las Artes de Viena donde se gradúa como alumno sobresaliente.
A principios de los años 90 Katterbauer comienza con el uso de ordenadores por motivo de su profesión. Empieza a trabajar con programas de 3D y crea imágenes digitales a partir de sus trabajos profesionales como arquitecto y de esta manera se va haciendo un sitio dentro de los creadores del Art3D. En diciembre de 2005 es el primer artista digital en conseguir la medalla de oro de la Bienal de Arte de Florencia. En cuanto a su técnica utiliza como punto de partida fotos digitales realizadas en viajes de estudio para llevar a cabo más tarde con el ordenador una primera revisión y collage de la imagen o partes de ella que combina con la utilización manual de la tableta gráfica. Con un programa 3D crea los objetos y los coloca en la posición adecuada y finalmente con otro programa virtual de paisajes realiza la composición final con la adecuación de luces y sombras.

Durante mucho tiempo inspirada en los movimientos artísticos y en las audaces formas angulares de principio del siglo 20, la artista australiana Catherine Abel crea sorprendentes pinturas figurativas al óleo. Combinando estilos clásicos con complejos temas de la moderna sexualidad femenina, sus obras son poderosas composiciones seductoras de fuerza y belleza. Influenciada a temprana edad por la obras de Picasso, Braque y Dalí, y, más recientemente, Andre Lhote y Tamara de Lempicka, su trabajo se ha convertido en un estilo verdaderamente original. Abel comenzó su carrera profesional en la pintura en el 2000, cuando se mudó a París. Durante su estancia allí y sus viajes a Italia, fue introducida en las tradicionales versiones y composiciones de los maestros del Renacimiento. “Ellos han sido una gran influencia en mi técnica y en mi deseo de mostrar la forma femenina en una expresión de elegancia y belleza.” Catherine ha vuelto a Australia después de 3 años de vida y exhibición en París y San Francisco estableciéndose rápidamente en Sydney como pintora de bellas artes sin dejar de exponer y vender internacionalmente.



Long inspired by the art movements and the bold angular shapes of the early 20th century, Australian artist Catherine Abel creates striking figurative oil paintings. Combining classic styles with complex themes of modern feminine sexuality, her works are powerfully seductive compositions of strength and beauty. Influenced at an early age by the works of Picasso, Braque and Dali, and more recently Andre Lhote and Tamara de Lempicka, her work has evolved into a truly original style. Abel began her professional painting career in 2000 when she moved to Paris. During her sojourn there, and travels to Italy, she was introduced to the traditional renderings and compositions of the Renaissance Masters. “They have greatly influenced my technique and desire to render the female form in an expression of beauty and grace.” Catherine has returned to Australia after 3 years living and exhibiting in Paris and San Francisco. She has rapidly established herself in Sydney as a fine art painter, while continuing to exhibit and sell internationally.

Jehan Legac es un artista digital de origen parisino y que reside en Miami, Los Angeles o en Ibiza, donde ha vivido durante más de 10 años junto a su mujer y musa Thea, y que ha marcado gran parte de su inspiración artística. Jehan Legac comenzó a trabajar como fotógrafo a los 14 años cuando él dio con un trabajo para fotografiar gatos en los tejados de París. En su adolescencia tardía se unió a la Marina francesa y se convirtió en un fotógrafo privado para el almirante Philippe de Gaulle, hijo del gran Charles de Gaulle, un paso que permitió a la joven artista navegar desde el Polo Norte a las islas tropicales, y vagar por las calles de ciudades extranjeras con su cámara y ver con nuevos ojos al mundo. El artista más tarde regresó a París, donde comenzó una exitosa empresa de diseño y es capaz de aplicar la tecnología de imágenes 3D a su labor de diseño. A los 28 abandonó su “conservadora” vida en busca de la deliciosa decadencia de la ciudad de Nueva York, donde el emprendedor joven parisino utilizando su Nikon se mezcla con modelos y pseudo-famosos. Legac también vivió, trabajó, como Miami, Florida, y Caracas, Venezuela. Legac finalmente abrió un estudio en las afueras de París en el barrio de Neuilly, donde se estableció en la pintura y fotografía, haciendo un llamamiento al color, cromo y curvas para producir las ciber-sensual y multimedias obras maestras que son decididamente Legac. Inspirado por su propio deseo erótico, Legac mezcla y fusiona sus influencias de toda la vida de la fotografía, el diseño y los ordenadores para crear obras que son sugerentes y sexy, y que se basan siempre irremediablemente en el asombro poder de la mujer.

El trabajo de Jehan Legac se basa en las formas, los colores, la sensualidad y el erotismo femenino. Jehan transforma esos desnudos para darles una nueva dimensión, muy cercana a la pintura tradicional que él también practica. Sus imágenes nos descubren un nuevo mundo en una explosión de colores que eclosionan en medio de una vorágine erótica y sensual, que da una nueva dimensión al desnudo femenino y de paso a la frialdad implícita del Arte Digital. Su galería es tremenda, más de 200 obras presentadas en formato flash en una web bien trabajada y de agradable recorrido, donde los originales se ofrecen en aceite pintado sobre lienzo. También podéis visitar su blog dedicado al Arte Erótico Digital, Erotic Digital Art.

Jehan Legac began work as a photographer at age 14 when he landed a job shooting photos of cats on Paris rooftops. In his late-teens he dutifully joined the French Navy and became a private photographer for Admiral Philippe de Gaulle, son of the great Charles de Gaulle, a stint that allowed the young artist to navigate from the North Pole to tropical islands, to roam foreign city streets with his camera and gain new eyes into the world. The artist later returned to Paris where he began a successful design business and was able to apply the technology of 3D imaging to his design work. At 28 he gave up his “conservative” life in search of the delicious decadence of New York City where the enterprising young Parisian used his Nikon to mingle with models and pseudo-celebs. Legac also lived, worked, mixed and mingled in cities like Miami, Florida and Caracas, Venezuela. Legac eventually opened a studio in the hip Paris neighborhood of Neuilly where he settled in to paint and photograph, calling on color, chrome and curves to produce the cyber-sensual, multimedia masterpieces that are decidedly Legac. Inspired by his own erotic longing, Legac blends and fuses his lifelong influences of photography, design and computers to create works that are evocative and sexy, sometimes tongue-in-cheek, but always hopelessly in awe of the power of woman. (Kennerly Clay)

The work of Jehan Legac based in shapes, colors, the female sensuality and eroticism. Jehan transforms these naked to give a new dimension, which is very close to traditional painting he also practiced. His images we discover a new world in an explosion of colors that hatch in the middle of a maelstrom erotic and sensual, giving a new dimension to the female nude and move to the coldness of implicit Digital Art. His gallery is tremendous, more than 200 works presented as a flash in a web worked well and pleasant journey, where the originals are offered in oil painting on canvas.

Jolanda Gerrmann es una pintora holandesa que estudió en la Rietveld Art Academy en Holanda y en la Minerva Art Academy en Groningen donde se graduó en 1994 en el dominio del Arte Autónomo en Litografía. Jolanda expresa divergencias de la poesía en sus lienzos donde introduce los temas más importantes en la vida como el amor, la decadencia, la alineación y la muerte. Sus composiciones, y el uso moderado de los colores te invitan a ampliar esa visión. Los trabajos de esta artista han sido expuestos en numerosas galerias alrededor del mundo, así como en importantes colecciones. En 1997 recibió una beca de la Dutch Foundation of Arts como estímulo a una prometedora pintora. (Click en imagen para ampliar)

Jolanda Gerrmann studied at the ‘Rietveld Art Academy’ in Amsterdam, The Netherlands, and ‘Minerva Art Academy’ in Groningen, where she graduated in 1994 mastering in Autonomous Art en Lithography. Jolanda Gerrmann expresses devergence of poetry on the canvas. She always succeeds to subtely express the most important themes in life such as love, decay, alienation and death. Her compositions and modest use of colours invite you to broaden your vision. Gerrmanns work has been shown on several art exhibitions all over the world and has been bought to expand very prominent collections. In 1997, she received a grant from the Dutch Foundation of Arts as a encouragement for this very promising painter. (Click